Qui a peint la Joconde. Léonard de Vinci. Partie 3. Histoire de la peinture. L'histoire de la peinture

Des scientifiques italiens sont arrivés à la conclusion que derrière Mona Lisa sur la toile légendaire Léonard de Vinci il ne représente pas un paysage abstrait, mais un paysage très concret, rapporte RIA Novosti en référence au journal britannique Daily Telegraph. Selon la chercheuse Carla Glori, dont les arguments sont cités par le journal, il s'agit de la zone autour de la ville de Bobbio, dans le nord de l'Italie.

Par conséquent, Carla Glory développe son idée, si la scène de l'action n'est pas le centre, comme le croyaient auparavant les scientifiques, sur la base du fait que Léonard a commencé à travailler sur la toile en 1503-1504 à Florence, mais le nord, alors son modèle n'est pas l'épouse du marchand Lisa del Giocondo et la fille du duc de Milan, Bianca Giovanna Sforza.

Glory croit que l'artiste et inventeur ne lui a rendu visite qu'à Milan, mais aussi à Bobbio, une ville dotée d'une bibliothèque célèbre à l'époque, également soumise aux dirigeants milanais.

Glory est arrivée à ses conclusions après que le journaliste, écrivain, découvreur de la tombe du Caravage et chef du Comité national italien pour la protection du patrimoine culturel Silvano Vinceti a rapporté avoir vu des lettres et des chiffres mystérieux sur la toile de Léonard.

En particulier, sous l’arc du pont situé à gauche de la Joconde (c’est-à-dire du point de vue du spectateur, sur le côté droit de l’image), les chiffres « 72 » ont été découverts.

Vinceti les considère comme une référence à certaines théories mystiques de Léonard. Selon Glory, il s'agit d'une indication de l'année 1472, lorsque la rivière Trebbia qui coulait près de Bobbio déborda de ses rives, démolit l'ancien pont et obligea la famille Visconti, qui régnait dans ces régions, à en construire un nouveau. Elle considère le reste de la vue comme le paysage qui s'ouvre depuis les fenêtres du château local.

Auparavant, Bobbio était surtout connue pour le site de l'immense monastère de San Colombano, qui a servi d'un des prototypes du « Nom de la Rose » d'Umberto Eco.

Certes, des experts sceptiques affirment que les chiffres et les lettres découverts par Vinceti dans les pupilles de Mona Lisa ne sont rien de plus que des fissures qui se sont formées sur la toile au fil des siècles.

Encore une preuve « définitive » ?

La femme du portrait de Léonard de Vinci a été associée pour la première fois à Lisa del Giocondo par l'artiste, architecte et écrivain italien Giorgio Vasari en 1550. Cependant, selon les représentants de la bibliothèque, ses notes soulevaient de nombreux doutes, puisqu'elles avaient été rédigées 50 ans après la réalisation du portrait.

En 2004, l'érudit italien Giuseppe Palanti, après 25 ans d'étude des documents d'archives, a découvert que la femme représentée dans le portrait était l'épouse d'un riche marchand de soie, Francesco del Giocondo, et la mère de cinq enfants, Lisa Gherardini. C’est le nom de famille de son mari qui servit plus tard de deuxième titre au tableau.

En 2006, les historiens de l'art allemands ont déclaré avec assurance avoir percé le mystère de Mona Lisa, qui occupait l'esprit des amateurs de beauté depuis des siècles. Selon eux, la célèbre toile de Léonard de Vinci représente la duchesse Caterina Sforza, qui s'est mariée trois fois et a eu d'innombrables romans d'amour. Comme le rapportaient les scientifiques de l'époque, la femme qui devint le modèle de Léonard de Vinci était mère de onze enfants.

Cependant, en 2008, d'autres scientifiques allemands de l'Université de Heidelberg ont déclaré avec la même assurance que le chef-d'œuvre de renommée mondiale représentait toujours Lisa Gherardini.

Les chercheurs se sont appuyés sur des notes prises en octobre 1503 dans les marges d'un vieux livre ayant appartenu au fonctionnaire florentin Agostino Vespucci, une connaissance de Léonard de Vinci.

Dans ces commentaires, le responsable compare Léonard de Vinci à l'artiste antique Apelles et affirme que Léonard travaille simultanément sur trois tableaux, dont un portrait de Lisa del Giocondo.

« Mona Lisa », alias « Gioconda » (italien : Mona Lisa, La Gioconda, français : La Joconde, nom complet : « Portrait de Madame Lisa del Giocondo », italien : Ritratto di Monna Lisa del Giocondo), - tableau de Leonardo da Vinci , situé au Louvre (Paris, France), l'un des musées les plus oeuvres célébres peinture du monde, qui serait un portrait de Lisa Gherardini, épouse du marchand de soie florentin Francesco del Giocondo, peint vers 1503-1505.

Le titre complet du tableau est italien. Ritratto di Monna Lisa del Giocondo - «Portrait de Mme Lisa Giocondo». En italien, ma donna signifie « ma dame » (cf. anglais « milady » et français « madame »), dans une version abrégée cette expression a été transformée en monna ou mona. La deuxième partie du nom du modèle, considérée comme le nom de famille de son mari - del Giocondo, en italien a également une signification directe et se traduit par « joyeux, jouant » et, par conséquent, la Gioconda - « joyeux, jouant » (comparer avec l'anglais plaisanterie).

Le nom « La Joconde » est mentionné pour la première fois en 1525 dans la liste de l'héritage de l'artiste Salai, héritier et élève de Léonard de Vinci, qui a laissé le tableau à ses sœurs de Milan. L'inscription le décrit comme le portrait d'une dame nommée La Gioconda.

Même les premiers biographes italiens de Léonard de Vinci ont écrit sur la place qu’occupait ce tableau dans l’œuvre de l’artiste. Leonardo n'a pas hésité à travailler sur la Joconde - comme ce fut le cas pour de nombreuses autres commandes, mais, au contraire, s'y est consacré avec une sorte de passion. Tout le temps qu’il lui restait après avoir travaillé sur « La Bataille d’Anghiari » lui était consacré. Il y consacra beaucoup de temps et, quittant l'Italie à l'âge adulte, l'emporta avec lui en France, parmi quelques autres tableaux sélectionnés. Da Vinci avait une affection particulière pour ce portrait et a également beaucoup réfléchi au cours du processus de création ; dans le « Traité de la peinture » ​​et dans les notes sur les techniques de peinture qui n'y figuraient pas, on peut trouver de nombreuses indications qui, sans aucun doute, se rapportent à «La Joconde» "

Selon Giorgio Vasari (1511-1574), auteur de biographies d'artistes italiens qui a écrit sur Léonard en 1550, 31 ans après sa mort, Mona Lisa (abréviation de Madonna Lisa) était l'épouse d'un Florentin nommé Francesco del Giocondo. del Giocondo), sur le portrait duquel Léonard a passé 4 ans, mais l'a laissé inachevé.

Très probablement, Vasari a simplement ajouté une histoire sur les bouffons pour amuser les lecteurs. Le texte de Vasari contient également une description précise des sourcils absents du tableau. Cette inexactitude ne pourrait survenir que si l'auteur décrivait l'image de mémoire ou à partir des histoires d'autrui. Alexey Dzhivelegov écrit que l'indication de Vasari selon laquelle « le travail sur le portrait a duré quatre ans est clairement exagérée : Léonard n'est pas resté aussi longtemps à Florence après son retour de César Borgia, et s'il avait commencé à peindre le portrait avant de partir pour César, Vasari aurait probablement, je dirais qu'il l'a écrit pendant cinq ans. Le scientifique écrit également sur l'indication erronée du caractère inachevé du portrait - « le portrait a sans aucun doute mis beaucoup de temps à être peint et a été achevé, quoi qu'en dise Vasari, qui dans sa biographie de Léonard l'a stylisé comme un artiste qui, dans principe, n'a pu achever aucun travail majeur. Et non seulement elle était terminée, mais c’est l’une des œuvres les plus soignées de Léonard.

Un fait intéressant est que dans sa description, Vasari admire le talent de Léonard pour transmettre les phénomènes physiques, et non la similitude entre le modèle et le tableau. Il semble que ce soit cette caractéristique « physique » du chef-d’œuvre qui ait laissé une profonde impression sur les visiteurs de l’atelier de l’artiste et qui soit parvenue à Vasari près de cinquante ans plus tard.

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"Mona Lisa", alias "La Gioconda", nom complet - Portrait de Madame Lisa del Giocondo, est un tableau de Léonard de Vinci, situé au Louvre (Paris, France), l'une des œuvres de peinture les plus célèbres au monde , qui est considéré comme un portrait de Lisa Gherardini, épouse du marchand de soie florentin Francesco del Giocondo, peint vers 1503-1505.

Histoire de la peinture

Même les premiers biographes italiens de Léonard de Vinci ont écrit sur la place qu’occupait ce tableau dans l’œuvre de l’artiste. Leonardo n'a pas hésité à travailler sur la Joconde - comme ce fut le cas pour de nombreuses autres commandes, mais, au contraire, s'y est consacré avec une sorte de passion. Tout le temps qu’il lui restait après avoir travaillé sur « La Bataille d’Anghiari » lui était consacré. Il y consacra beaucoup de temps et, quittant l'Italie à l'âge adulte, l'emporta avec lui en France, parmi quelques autres tableaux sélectionnés. Da Vinci avait une affection particulière pour ce portrait et a également beaucoup réfléchi au cours du processus de création ; dans le « Traité de la peinture » ​​et dans les notes sur les techniques de peinture qui n'y figuraient pas, on peut trouver de nombreuses indications qui, sans aucun doute, se rapportent à «La Joconde» "

Problème d'identification du modèle

En informations sur l'identité de la femme dans le tableau pendant longtemps l’incertitude subsistait et de nombreuses versions étaient exprimées :

• Caterina Sforza, fille illégitime du duc de Milan Galeazzo Sforza

Catherine Sforza

• Isabelle d'Aragon, duchesse de Milan

L'œuvre d'un disciple de Léonard est une représentation d'un saint. Peut-être que son apparence représente Isabelle d'Aragon, duchesse de Milan, l'une des candidates au rôle de Mona Lisa.

• Cecilia Gallerani (modèle d'un autre portrait de l'artiste - « Dame à l'hermine »)

L'œuvre de Léonard de Vinci, "La Dame à l'hermine".

• Constanza d'Avalos, surnommée "La Joyeuse", c'est-à-dire La Gioconda en italien. Le critique d'art italien Venturi suggérait en 1925 que « La Gioconda » était un portrait de la duchesse de Costanza d'Avalos, veuve de Federigo del Balzo, glorifiée dans un petit poème d'Eneo Irpino, qui mentionne également son portrait peint par Léonard. Constance était la maîtresse de Julien de Médicis.

• Pacifica Brandano est une autre maîtresse de Giuliano Medici, la mère du cardinal Ippolito Medici (selon Roberto Zapperi, le portrait de Pacifica a été commandé par Giuliano Medici pour son fils illégitime, qui a ensuite été légitimé par lui, qui avait envie de voir sa mère, qui était déjà décédé à ce moment-là. De plus, selon le critique d'art, le client, comme d'habitude, a laissé à Léonard une totale liberté d'action).

• Isabelle Gualanda

• Juste femme idéale

• Un jeune homme habillé en femme (par exemple Salai, l'amant de Léonard)

Salai dans un dessin de Léonard (Salai est un élève de Léonard de Vinci, avec qui l'artiste a entretenu une relation à long terme - plus de 25 ans - et peut-être intime.)

• Autoportrait de Léonard de Vinci lui-même

Selon l'une des versions avancées, « Mona Lisa » est un autoportrait de l'artiste

Léonard de Vinci

• Portrait rétrospectif de la mère de l'artiste Katerina (suggéré par Freud, puis par Serge Bramly, Rina de "Firenze, Roni Kempler, etc.).

Cependant, la version sur la correspondance du nom généralement accepté de la photo avec la personnalité du modèle en 2005 aurait trouvé une confirmation définitive. Des scientifiques de l'Université de Heidelberg ont étudié les notes en marge du tome, dont le propriétaire était un fonctionnaire florentin, connaissance personnelle de l'artiste Agostino Vespucci. Dans les notes en marge du livre, il compare Léonard au célèbre peintre grec ancien Apelle et note que « Da Vinci travaille actuellement sur trois tableaux, dont un portrait de Lisa Gherardini ».

Une note en marge prouvait l'identification correcte du modèle de la Joconde.

Ainsi, Mona Lisa s'est réellement avérée être l'épouse du marchand florentin Francesco del Giocondo - Lisa Gherardini. Le tableau, comme le prouvent les scientifiques dans ce cas, a été commandé par Léonard pour la nouvelle maison de la jeune famille et pour commémorer la naissance de leur deuxième fils, nommé Andrea.

Description de l'image

Le tableau rectangulaire représente une femme vêtue de vêtements sombres, se tournant à demi-tournée. Elle est assise sur une chaise, les mains jointes, une main posée sur l'accoudoir et l'autre sur le dessus, se tournant presque pour faire face au spectateur. Les cheveux séparés, lisses et posés à plat, visibles à travers un voile transparent drapé dessus (selon certaines hypothèses - un attribut du veuvage), tombent sur les épaules en deux fines mèches légèrement ondulées. Une robe verte à fins volants, avec des manches plissées jaunes, découpées sur un décolleté blanc. La tête est légèrement tournée.

Le critique d'art Boris Vipper, décrivant le tableau, souligne que des traces de la mode du Quattrocento sont perceptibles sur le visage de Mona Lisa : ses sourcils et ses cheveux sur le dessus de son front sont rasés.

Le bord inférieur du tableau coupe la seconde moitié de son corps, le portrait est donc presque à mi-longueur. La chaise sur laquelle est assise le modèle se dresse sur un balcon ou une loggia dont la ligne de parapet est visible derrière ses coudes. On pense qu'auparavant, l'image aurait pu être plus large et accueillir deux colonnes latérales de la loggia, dont il existe actuellement deux bases de colonnes, dont des fragments sont visibles le long des bords du parapet.

La copie de La Joconde de la Wallace Collection (Baltimore) a été réalisée avant que les bords de l'original ne soient rognés, et permet de voir les colonnes manquantes.

La loggia surplombe une nature sauvage et désolée avec des ruisseaux sinueux et un lac entouré de montagnes aux sommets enneigés qui s'étendent jusqu'à une ligne d'horizon élevée derrière la silhouette. « Mona Lisa est représentée assise sur une chaise sur fond de paysage, et la juxtaposition même de sa figure, très proche du spectateur, avec le paysage visible de loin, comme une immense montagne, confère à l'image une grandeur extraordinaire. La même impression est favorisée par le contraste entre la tactilité plastique accrue de la figure et sa silhouette lisse et généralisée avec un paysage semblable à une vision s'étendant dans le brouillard avec des rochers bizarres et des canaux d'eau serpentant parmi eux.

État actuel

La Joconde est devenue très sombre, ce qui est considéré comme le résultat de la tendance inhérente de son auteur à expérimenter avec la peinture, à cause de laquelle la fresque de la Cène est pratiquement morte. Les contemporains de l'artiste ont cependant réussi à exprimer leur admiration non seulement pour la composition, le dessin et le jeu du clair-obscur, mais aussi pour la couleur de l'œuvre. On suppose, par exemple, que les manches de sa robe étaient à l'origine rouges - comme le montre la copie du tableau du Prado.

Une première copie de la Joconde du Prado montre combien une image de portrait perd lorsqu'elle est placée sur un fond sombre et neutre.

L'état actuel du tableau est assez mauvais, c'est pourquoi les services du Louvre ont annoncé qu'ils ne le donneraient plus aux expositions : « Des fissures se sont formées dans le tableau, et l'une d'elles s'arrête à quelques millimètres au-dessus de la tête de la Joconde. .»

La macrophotographie vous permet de voir un grand nombre de craquelure (fissures) à la surface du tableau

Technique

Comme le note Dzhivelegov, au moment de la création de La Joconde, la maîtrise de Léonard « était déjà entrée dans une phase d'une telle maturité, lorsque toutes les tâches formelles de composition et autres étaient posées et résolues, lorsque Léonard commença à sentir que seul le Les dernières tâches de la technique artistique, les plus difficiles, méritaient d'être accomplies. Et lorsqu'il trouva en la personne de Mona Lisa un modèle qui satisfaisait ses besoins, il essaya de résoudre certains des problèmes de technique de peinture les plus élevés et les plus difficiles qu'il n'avait pas encore résolus. Il voulait, à l'aide de techniques qu'il avait déjà développées et testées auparavant, notamment avec l'aide de son célèbre sfumato, qui avait auparavant donné des effets extraordinaires, faire plus qu'il n'avait fait auparavant : créer le visage vivant d'un être vivant. personne et reproduire ainsi les traits et l’expression de ce visage afin qu’avec eux le monde intérieur de l’homme se révèle pleinement.

Boris Vipper pose la question « par quels moyens cette spiritualité a été atteinte, cette étincelle éternelle de conscience à l'image de la Joconde, il faut alors citer deux moyens principaux. L’un d’eux est le merveilleux sfumato de Leonard. Pas étonnant que Léonard aimait dire que « le modelage est l’âme de la peinture ». C’est le sfumato qui crée le regard humide de Gioconda, son sourire léger comme le vent et la douceur caressante incomparable du toucher de ses mains. Sfumato est une brume subtile qui enveloppe le visage et la silhouette, adoucissant les contours et les ombres. Pour cela, Léonard préconisait de placer, comme il le dit, « une sorte de brouillard » entre la source lumineuse et les corps.

Rothenberg écrit que « Leonardo a réussi à introduire dans sa création ce degré de généralisation qui lui permet d'être considéré comme une image de l'homme de la Renaissance dans son ensemble. Ce haut degré de généralisation se reflète dans tous les éléments du langage pictural du tableau, dans ses motifs individuels - dans la façon dont le voile léger et transparent, couvrant la tête et les épaules de Mona Lisa, unit les mèches de cheveux soigneusement dessinées et les petites les plis de la robe en un contour globalement lisse ; elle est palpable dans la douceur incomparable du modelé du visage (dont, selon la mode de l’époque, on ôtait les sourcils) et des mains belles et lisses.

Alpatov ajoute que « dans la brume doucement fondante enveloppant le visage et la silhouette, Léonard a réussi à faire ressentir la variabilité illimitée des expressions faciales humaines. Bien que les yeux de Gioconda regardent le spectateur attentivement et calmement, grâce à l'ombre de ses orbites, on pourrait penser qu'ils froncent légèrement les sourcils ; ses lèvres sont comprimées, mais près de leurs coins il y a des ombres subtiles qui font croire qu'à chaque minute elles vont s'ouvrir, sourire et parler. Le contraste même entre son regard et le demi-sourire sur ses lèvres donne une idée de l'incohérence de ses expériences. ... Léonard a travaillé dessus pendant plusieurs années, en veillant à ce qu'aucun trait net, aucun contour angulaire ne reste dans l'image ; et bien que les bords des objets y soient clairement perceptibles, ils se dissolvent tous dans les plus belles transitions de la pénombre à la pénombre."

Paysage

Les critiques d'art soulignent la manière organique avec laquelle l'artiste a combiné les caractéristiques du portrait d'une personne avec un paysage plein d'une humeur particulière, et à quel point cela a accru la dignité du portrait.

Whipper considère le paysage comme le deuxième médium qui crée la spiritualité d'une peinture : « Le deuxième médium est la relation entre la figure et l'arrière-plan. Le paysage fantastique et rocheux, comme vu à travers l'eau de mer, du portrait de Mona Lisa a une autre réalité que sa figure elle-même. La Joconde a la réalité de la vie, le paysage a la réalité d'un rêve. Grâce à ce contraste, Mona Lisa semble incroyablement proche et tangible, et nous percevons le paysage comme le rayonnement de ses propres rêves.

Le chercheur en art de la Renaissance Viktor Grashchenkov écrit que Léonard, notamment grâce au paysage, a réussi à créer non pas le portrait d'une personne spécifique, mais une image universelle : « Dans cette image mystérieuse, il a créé quelque chose de plus qu'un portrait de l'inconnue Florentine Mona. Lisa, la troisième épouse de Francesco del Giocondo. L'apparence et la structure mentale d'une personne particulière sont véhiculées par elle avec une synthèse sans précédent. Ce psychologisme impersonnel correspond à l’abstraction cosmique du paysage, presque totalement dépourvu de tout signe de présence humaine. Dans le clair-obscur fumé, non seulement tous les contours de la figure et du paysage ainsi que toutes les nuances de couleurs sont adoucis. Dans les transitions subtiles de la lumière à l’ombre, presque imperceptibles à l’œil, dans la vibration du « sfumato » de Leonard, toute définition de l’individualité et de son état psychologique s’adoucit jusqu’à la limite, fond et est prêt à disparaître. ... "La Gioconda" n'est pas un portrait. Il s'agit d'un symbole visible de la vie même de l'homme et de la nature, unis en un tout et présenté de manière abstraite à partir de sa forme concrète individuelle. Mais derrière le mouvement à peine perceptible qui, comme de légères ondulations, parcourt la surface immobile de ce monde harmonieux, se cache toute la richesse des possibilités de l’existence physique et spirituelle. »

En 2012, une copie de « Mona Lisa » du Prado a été effacée, et sous les enregistrements ultérieurs il y avait un fond de paysage - la sensation de la toile change immédiatement.

« Mona Lisa » est conçue dans des tons brun doré et rougeâtre au premier plan et vert émeraude en arrière-plan. "Transparentes, comme le verre, les couleurs forment un alliage, comme si elles étaient créées non pas par la main d'une personne, mais par cette force interne de la matière, qui donne naissance à des cristaux de forme parfaite à partir d'une solution." Comme beaucoup d'œuvres de Léonard, cette œuvre s'est assombrie au fil du temps et ses relations entre les couleurs ont quelque peu changé, mais même aujourd'hui, les comparaisons réfléchies dans les tons des œillets et des vêtements et leur contraste général avec le ton « sous-marin » bleu-vert de l'œuvre le paysage est clairement perçu.

Vol

La Joconde n'aurait été connue depuis longtemps que des connaisseurs d'art, sans son histoire exceptionnelle, qui lui a assuré une renommée mondiale.

Le 21 août 1911, le tableau est volé par un employé du Louvre, le maître miroitier italien Vincenzo Perugia. Le but de cet enlèvement n'est pas clair. Peut-être que Pérouse voulait rendre La Joconde dans sa patrie historique, estimant que les Français l'avaient « kidnappée » et oubliant que Léonard lui-même avait apporté le tableau en France. Les perquisitions entreprises par la police n'ont donné aucun résultat. Les frontières du pays ont été fermées et l'administration du musée a été licenciée. Le poète Guillaume Apollinaire a été arrêté parce qu'il était soupçonné d'avoir commis un crime, puis relâché. Pablo Picasso était également soupçonné. Le tableau n'a été retrouvé que deux ans plus tard en Italie - et le coupable était le voleur lui-même, qui a répondu à une annonce dans le journal et a proposé de vendre « Gioconda » au directeur de la Galerie des Offices. On suppose qu'il avait l'intention d'en faire des copies et de les faire passer pour l'original. Pérouse, d'une part, a été loué pour son patriotisme italien, d'autre part, il a été condamné à une courte peine de prison.

Vincenzo Pérouse. Feuille d'une affaire pénale.

Finalement, le 4 janvier 1914, le tableau (après des expositions dans des villes italiennes) revient à Paris. Pendant ce temps, la « Joconde » n'a pas quitté les couvertures des journaux et magazines du monde entier, ainsi que cartes postales, il n'est donc pas surprenant que la Joconde ait été copiée plus souvent que tout autre tableau. Le tableau est devenu un objet de culte en tant que chef-d'œuvre des classiques mondiaux.

Vandalisme

En 1956, la partie inférieure du tableau fut endommagée lorsqu'un visiteur y jeta de l'acide. Le 30 décembre de la même année, un jeune Bolivien, Hugo Ungaza Villegas, lui lance une pierre et endommage la couche de peinture au niveau de son coude (la perte sera ensuite constatée). Après cela, la Joconde a été protégée par du verre pare-balles, ce qui l'a protégée contre d'autres attaques graves. Pourtant, en avril 1974, une femme, bouleversée par la politique du musée à l'égard des handicapés, a tenté de pulvériser de la peinture rouge avec un pot alors que le tableau était exposé à Tokyo, et le 2 avril 2009, une femme russe, qui n'avait pas reçu citoyen français, jeta une coupe d'argile au verre. Ces deux cas n’ont pas nui au tableau.

Foule au Louvre près du tableau, de nos jours.

AVEC Le tableau le plus inestimable de toute l'humanité est considéré comme l'œuvre de Léonard de Vinci "Mona Lisa". L’œuvre a été réalisée sur plusieurs années, elle est unique. L'image est si familière à tout le monde, si profondément gravée dans la mémoire des gens, qu'il est difficile de croire qu'elle était autrefois différente.
Le tableau a été si souvent copié et a eu une telle influence (peut-être trop forte) sur l'art qu'il est très difficile de le regarder d'un œil impartial, mais un examen attentif des illustrations en couleurs peut conduire à des découvertes surprenantes, même pour les amateurs. ceux qui sont fatigués ou pensent qu'ils sont fatigués, de "Mona Lisa".
Quatre questions principales peuvent être identifiées :
Le génie du créateur du tableau, Léonard de Vinci (1452-1519)
Technique de performance parfaite, secrets encore non révélés
L'aura de mystère de la femme (qui a posé)
L’histoire d’un tableau aussi étonnant qu’un roman policier.

P. On peut parler longtemps de génie, il vaut mieux lire la biographie sur ce site. Objectivement, sans spéculation artistique. Même si les capacités étaient brillantes, l'essentiel était l'énorme capacité de travail et le désir d'apprendre. le monde. Léonard étudia des sujets alors considérés comme obligatoires pour un artiste : les mathématiques, la perspective, la géométrie et toutes les sciences de l'observation et de l'étude du milieu naturel. Il commence également à étudier l'architecture et la sculpture. Après avoir terminé ses études, il débute sa carrière comme peintre de portraits et de peintures religieuses, recevant des commandes de riches citoyens ou de monastères. Tout au long de sa vie, il développe ses talents techniques et artistiques. Une capacité inhabituelle à traiter n'importe quel sujet et dans n'importe quel domaine de la vie, il aurait dû être mieux connu comme ingénieur talentueux que comme peintre, mais il a surpris même tous ses contemporains, ainsi que par sa curiosité avide avec laquelle il étudiait constamment les sciences naturelles. phénomènes : " D'où vient l'urine ? " ... et ce malgré le fait que ses expériences techniques en peinture n'étaient pas toujours couronnées de succès.

Technique parfaite pour exécuter la Joconde

D A la Léonard de Vinci, la recherche de la perfection est une véritable obsession. Dans leurs des cahiers, dans lequel brille le désir d'atteindre la perfection, il écrit : « Dites-moi, est-ce que quelqu'un me dira, est-ce que quelqu'un a fini au moins quelque chose jusqu'au bout ?

L'œuvre a été réalisée sur une fine planche de peuplier, aujourd'hui extrêmement fragile. C'est pourquoi l'œuvre est stockée derrière une vitrine en verre avec certains paramètres de température et d'humidité. La Joconde est un portrait idéal, grâce aux subtils effets de lumière sur le visage et au paysage réfléchi (gamme de couleurs, perspective du paysage combinée avec le ciel) en arrière-plan du tableau. Et la modélisation faciale la plus difficile, qui s'est avérée étonnamment réaliste.
Léonard a réalisé la peinture multicouche avec une patience et une virtuosité étonnantes : après avoir préparé un panneau de bois avec plusieurs couches de revêtement (déjà à cette époque, il existait de nombreuses façons d'apprêter le bois), il a d'abord peint la composition globale, le fond, après quoi de fines couches ont été appliqués (huile avec de la térébenthine, ce qui lui a donné la possibilité de travailler sur des niveaux de couleurs transparents). Cela a permis de reconstruire à l'infini le visage couche par couche, et en outre, à certains endroits, de rehausser ou de réduire habilement les effets de lumière, de transparence et de nuances sur le visage. Léonard a appelé cette méthode sfumato (« sfumato »), par un autre nom, plus familier pour nous, glaçage. Le glaçage est le nom donné à de fines couches transparentes et translucides d'huile et d'autres peintures appliquées sur d'autres peintures similaires bien séchées pour donner à ces dernières le ton intense et transparent souhaité. Il est tout simplement impossible de déterminer la quantité de vernis appliquée. Cette technique a permis de réaliser une incroyable imitation de chair. La transition progressive joue également un rôle. corps humain Dans les ténèbres. Son parcours s’est également révélé magnifique. Tous les détails ici sont extrêmement précis, et les sommets des montagnes et l'eau : les os et le sang de la terre - évoquent des idées romantiques sur la terre au lendemain du jour de la Création.
Au cours de sa vie ultérieure, Léonard était en effet connu pour son talent évident pour imiter la nature, pour la perfection de la nature, et lorsque son premier biographe, le peintre Vasari, décrivait la Joconde, il insistait surtout sur le réalisme de l'œuvre. : "Ses yeux transparents avaient un éclat de vie : entourés de nuances rougeâtres et livides, ils étaient limités par des cils dont l'exécution exigeait la plus grande délicatesse." Les cils sont rendus, par endroits, plus épais ou plus clairsemés, ce qui suggère qu'ils ne pourraient pas être plus naturels. Le nez, avec ses narines détaillées, fines et roses, semble certainement vivant. [...] Au niveau de la gorge, un observateur attentif peut capter le battement des veines." Quant à la palette de couleurs du visage, les tons pourpres évoqués par Vasari sont désormais totalement invisibles. Le vernis foncé a modifié le rapport des couleurs et créé un vague effet sous-marin qui est encore aggravé par la faible lumière qui se déverse faiblement sur le tableau depuis les plafonds de la Grande Galerie du Louvre. De plus, à notre époque, la Joconde n'a plus la même apparence (en composition). ) comme lorsqu'il sortit des mains de Léonard, à droite du tableau étaient peintes des colonnes basses, maintenant coupées, il devint clair que la dame était assise sur le balcon, et pas du tout suspendue dans les airs. comme cela semble parfois, ces changements sont cependant plus ennuyeux que tragiques : le chef-d'œuvre a été préservé et nous devons être reconnaissants qu'il soit dans un si excellent état.
Grâce au « sfumato », Léonard a pu atteindre l'un de ses principaux objectifs artistiques, qui était principalement l'individualité de son modèle : « Un bon peintre expose essentiellement deux choses : l'individualité et le point de son opinion », a déclaré Léonard. Dessiner d’abord l’âme, et non le corps, est en effet le but principal de son œuvre et « sfumato » souligne le mystère de l’œuvre : « celui qui plonge les choses dans la lumière doit les plonger dans l’infini ».
Une question importante ici est de savoir dans quelle mesure l’image est réaliste par rapport au modèle. À l'heure actuelle, il est impossible de savoir s'il s'agit d'une copie d'une femme existante, ou si Léonard de Vinci a idéalisé le portrait, ou s'il a entièrement représenté le type de femme universelle.
Mona Lisa n'était pas, comme beaucoup le croient, l'idéal de beauté de Léonard : son idéal se retrouve plutôt dans l'ange de la Madone aux Rochers. Pourtant, Léonard doit certainement considérer Mona Lisa comme une personne spéciale : elle lui a fait une telle impression qu'il a refusé d'autres offres lucratives et a travaillé sur son portrait pendant trois ans. Le portrait reflétait un caractère humain unique.

Le mystère de l'identité du modèle

AVEC identifier faussement la personne représentée dans le portrait. Il existe plusieurs opinions controversées sur ce qu'il y a dans le portrait :
Isabelle d'Este (il y a une photo la montrant)
Maîtresse Giuliano de Médicis
Tout simplement la femme parfaite
Un jeune homme vêtu de vêtements pour femmes
Autoportrait

En 1517, le cardinal Louis d'Aragon rendit visite à Léonard dans son domaine. Une description de cette visite a été faite par le secrétaire du cardinal Antonio de Beatis : « Le 10 octobre 1517, Monseigneur et d'autres comme lui rendirent visite dans un des coins reculés d'Amboise à Messer Léonard de Vinci, un Florentin, un homme à barbe grise vieil homme de plus de soixante-dix ans, le plus excellent artiste de notre temps, il montra à Son Excellence trois tableaux : l'un d'une dame florentine, peint d'après nature à la demande du frère Laurent le Magnifique Julien de Médicis, un autre de saint. Jean-Baptiste dans sa jeunesse et le troisième de Sainte-Anne avec Marie et l'Enfant Jésus, tous extrêmement beaux de lui-même, du fait que sa main droite était alors paralysée, il n'était plus possible d'attendre de nouveaux bon travail". La première affirmation concernant l'identité du portrait de la Joconde, "une certaine dame florentine", selon la plupart des chercheurs, est la "Mona Lisa". Il est cependant possible qu'il s'agisse d'un autre portrait dont aucune preuve Les copies conservées de Giuliano de Médicis n'avaient rien à voir avec la Joconde. Mais il est probable que le secrétaire, surchargé de travail et d'impressions, ait laissé tomber le nom des Médicis par négligence.

Plus tard, deuxième déclaration de Visari, il a écrit que Mona Lisa (abréviation de Madonna Lisa) était la troisième épouse d'un riche florentin nommé Francesco di Bartolomeo del Giocondo (d'où vient le deuxième nom du tableau "Giocondo").
Nous savons qu'elle a épousé Del Giocondo en 1495, mais nous n'avons en réalité aucune preuve qu'elle pourrait être une maîtresse des Médicis. Lorsque la Joconde a commencé à poser pour Leonardo, elle avait environ vingt-quatre ans - selon les standards de l'époque, elle approchait de l'âge mûr. Le portrait fut un succès : selon Vasari, c'était « une copie exacte de la nature ». Mais Léonard a dépassé les possibilités du portrait et a fait de son modèle non seulement une femme, mais une Femme avec un W majuscule. L’individuel et le général se confondent ici en un seul. Le point de vue de l'artiste sur la Femme peut ne pas coïncider avec les opinions généralement acceptées. Plus tard, une déclaration anonyme crée un précédent selon lequel la Joconde est un portrait de Francesco del Giocondo, c'est-à-dire un dicton (une idée) est apparu selon lequel il s'agissait d'un portrait d'homme (plus tard, de nombreuses copies de nus ont été créées, où les artistes tentent d'improviser avec le genre féminin ou masculin).
Enfin, dans des références ultérieures, à partir de 1625 environ, selon la plupart des chercheurs, le portrait commença à s'appeler Gioconda.
Même aujourd’hui, nous n’avons aucune preuve concluante de l’identité de la femme montrée par Léonard. Léonard regarde son modèle avec une insensibilité inquiétante : la Joconde semble à la fois voluptueuse et froide, belle – et même dégoûtante. Le tableau est petit, mais donne l’impression d’être monumental. Cet effet est obtenu grâce à la relation entre la figure et l'arrière-plan. La monumentalité renforce grandement le sentiment mêlé de charme et de froideur qu'évoque la Joconde : depuis des siècles, les hommes la regardent avec admiration, confusion et quelque chose d'autre proche de l'horreur. Léonard s'est complètement libéré des preuves de l'identité et de la ressemblance du portrait dont le portrait a été peint. Pour nous, le portrait reste un chef-d'œuvre de Léonard.

Histoire policière de l'histoire de Mona Lisa

M pendant longtemps, elle n'aurait été connue que des fins connaisseurs des beaux-arts, sans son histoire exceptionnelle, qui l'a rendue mondialement célèbre.
La Joconde a acquis une renommée mondiale non seulement grâce aux qualités de l'œuvre de Léonard, qui impressionnent les amateurs d'art et les professionnels, mais elle serait longtemps restée réservée aux connaisseurs d'art si son histoire n'était pas également exceptionnelle.
Depuis le début du XVIe siècle, le tableau, acquis par François Ier directement des mains de Léonard de Vinci, est resté dans la collection royale après la mort de Léonard. À partir de 1793, il fut placé au Musée Central des Arts du Louvre. La Joconde est toujours restée au Louvre comme l'un des biens de la collection nationale. Il a été étudié par les historiens, copié par les peintres, copié souvent, mais le 21 août 1911, le tableau a été volé par un peintre italien, Vincenzo Peruggia, afin de le restituer dans sa patrie historique.
Après un interrogatoire policier de tous les suspects, le peintre cubiste, le poète Guillaume Apollinaire (il appelait ce jour-là à incendier tout le Louvre) et bien d'autres, le tableau ne fut retrouvé que deux ans plus tard en Italie. Il a été examiné et traité par des restaurateurs et accroché avec les honneurs. Pendant ce temps, la Joconde n'a pas quitté les couvertures des journaux et magazines du monde entier.
Depuis lors, le tableau est devenu un objet de culte et d’adoration en tant que chef-d’œuvre des classiques mondiaux.
Au XXe siècle, le tableau ne quitte quasiment jamais le Louvre. En 1963, il visite les États-Unis et en 1974, au Japon. Les voyages n’ont fait que consolider son succès et sa renommée.

Il n’y a probablement pas de tableau plus célèbre au monde. Il est populaire dans tous les pays et largement reproduit comme une image reconnaissable et accrocheuse. Au cours de ses quatre cents ans d'histoire, « Mona Lisa » a été à la fois une marque déposée et une victime d'enlèvement, a été mentionnée dans une chanson de Nat King Cola, son nom a été cité dans des dizaines de milliers de publications imprimées et de films. , et l'expression « le sourire de Mona Lisa » est devenue une expression stable, voire clichée.

L'histoire de la création du tableau "Mona Lisa"

Cette petite œuvre d'art, mesurant 76,8 x 53 cm, est peinte à l'huile sur une planche de bois de peuplier. Le tableau se trouve dans une pièce spéciale qui porte son nom. Il a été amené sur place par l'artiste lui-même, qui s'est installé ici sous le patronage du roi François Ier.

Mythes et spéculations

De nos jours, la plupart des gens s'intéressent au mystère notoire du sourire de Mona Lisa. Ce n'est qu'une esquisse de sourire, un léger mouvement du coin de ses lèvres. Peut-être que le décodage du sourire est contenu dans le titre même du tableau - La Gioconda en italien peut signifier « joyeux ». Peut-être que pendant tous ces siècles, la Joconde se moque simplement de nos tentatives pour percer son mystère ?

Ce type de sourire est caractéristique de nombreuses peintures de l’artiste, par exemple une toile représentant Jean-Baptiste ou de nombreuses Madones (,).

Pendant de nombreuses années, l'identification de l'identité du prototype a suscité l'intérêt, jusqu'à ce que des documents confirment la réalité de l'existence de la vraie Lisa Gherardini. Cependant, certains prétendent que le tableau serait un autoportrait crypté de Léonard de Vinci, qui a toujours eu des penchants non conventionnels, ou même une image de son jeune élève et amant, surnommé Salai - le Petit Diable. Cette dernière hypothèse est étayée par des preuves telles que le fait que c'est Salai qui s'est avéré être l'héritier de Léonard et le premier propriétaire de La Gioconda. De plus, le nom « Mona Lisa » peut être une anagramme de « Mon Salai » (mon Salai en français).

Le paysage mystérieux en arrière-plan est d'un grand intérêt pour les théoriciens du complot et les partisans de l'idée selon laquelle Léonard de Vinci appartenait à un certain nombre de sociétés secrètes. Il représente un terrain étrange qui n’a pas été identifié avec précision à ce jour. Il a été peint, comme l'ensemble du tableau, selon la technique du sfumato, mais d'une manière différente. Schéma de couleur, bleuâtre-verdâtre et asymétrique - Côté droit ne correspond pas à celui de gauche. De plus, il y a eu récemment des allégations selon lesquelles l'artiste aurait crypté certaines lettres aux yeux de Gioconda et des chiffres dans l'image du pont.

Juste un tableau ou un chef-d'œuvre

La plupart des gens adoptent le point de vue de la masse et considèrent le tableau comme un tableau mystérieux, un chef-d'œuvre envoyé du passé par l'un des maîtres les plus brillants et les plus talentueux de l'histoire de l'art. La minorité considère la Joconde comme un tableau exceptionnellement beau et talentueux. Son mystère réside uniquement dans le fait que nous lui attribuons les caractéristiques que nous souhaitons nous-mêmes voir.

Heureusement, le groupe le plus limité de personnes est celui qui est indigné et irrité par cette image. Oui, cela arrive, sinon comment expliquer au moins quatre cas de vandalisme, grâce auxquels la toile est désormais protégée par un épais verre pare-balles.

Quoi qu'il en soit, "La Gioconda" continue d'exister et ravit les nouvelles générations de téléspectateurs avec son demi-sourire mystérieux et ses mystères complexes non résolus. Peut-être qu'à l'avenir, quelqu'un trouvera des réponses à ces questions. problèmes existants. Ou bien il créera de nouvelles légendes.